anime POP CULTURE

La increíble historia de la animación japonesa.

La animación japonesa ha conseguido tener una influencia enorme en la cultura popular de Occidente . Los fans del anime han dado origen a un mercado que mueve millones de dólares en convenciones y productos relacionados .

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La infancia de muchos ha sido marcada por alguna de estas series y sus personajes se convirtieron en  iconos y fundadores de la subcultura otaku,  que cada día cuenta con más adeptos. Desde Astroboy a Candy Candy pasando por Pokémon y Dragon Ball o Sailor Moon, la animación japonesa es reconocida en todo el mundo. El anime se popularizó en América en los 80’s  pero sus orígenes se remontan  a los primeros años del siglo XX.

Inicios

En 1906 aparece en el mundo el  primer cortometraje de animación titulado, Humorous Phases of Funny Face, del productor estadounidense James Stuart Blackton. En el film aparece un pizarrón con  dibujos de distintos personajes que hacen divertidas expresiones faciales gracias a la técnica conocida como stop-motion. A pesar de su corta duración de 3 minutos, Humorous Phases of Funny Face  marca el inicio de una nueva industria que daría vida a los sueños de cientos de espectadores.

Se tiene conocimiento de que la primera animación extranjera en ser proyectada en una sala de cine en Japón fue Les Exploits de Feu Follet de Émile Cohl, estrenada en Tokio en 1912. Durante la primera y segunda década  del siglo XX los cortometrajes extranjeros de animación gozaron de gran aceptación por parte del público japonés. Por ello, los productores nipones consideraron dar inicio a la industria de la animación nacional.

La primera muestra de animación japonesa es Katsudō Shashin  un pequeño corto que posiblemente fue realizado entre 1907 a 1911, dura solo 4 segundos y se compone de 50 fotogramas los cuáles fueron descubiertos en 2005 en Kyoto.

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Fotograma recuperado de Katsudō Shashin

El pequeño film muestra a un niño que escribe los caracteres 活動写真 que significan imágenes en movimiento, posteriormente se quita el sombrero y saluda al espectador. A diferencia de los primeros cortometrajes animados, este film japonés se valió de la técnica del estarcido y de un dispositivo llamado kappa-ban para imprimir los fotogramas.

La animación japonesa comercial inicia en 1917 con Imokawa Mukuzō Genkanban no Maki un cortometraje de apenas 5 minutos con una estética inspirada en la animación americana y producido por Ōten Shimokawa;  se exhibió  pocas veces en algunos teatros.

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Captura de  Imokawa Mukuzō Genkanban no Maki, 1917.

Fue hasta 1933 cuando aparece el primer cortometraje sonoro con voces en off  llamado Chikara to onna no yo no naka “El mundo del poder y las mujeres” producido por Shiro Kido. Trata sobre un hombre japonés casado con una mujer mucho más grande y fuerte que él. Cansado de la mala relación con su masculina esposa, el hombre decide tener un amorío con su secretaria mecanógrafa. Se considera un film perdido ya que se desconoce la existencia de copias de la versión original.

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Captura de Chikara to onna no yo no naka,1933.

El celuloide es un material fundamental para la animación pero en Japón no se fabricaba  a principios del siglo XX e importarlo resultaba muy costoso.  En su lugar, se utilizó cartulina en donde los dibujantes (conocidos como mankagas)  hacían uso de todo su potencial para trazar a los personajes  que después recortaban  y fotografiaban .

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Noburō Ōfuji, fue pionero de la animación nipona y es reconocido por su técnica de recortar personajes para  después fotografiarlos y conferirles movimiento (Cutout animation)

Segunda Guerra Mundial

El 7 de diciembre de 1941 Japón ataca la base estadounidense de Pearl Harbor y con ello incursiona en la Segunda Guerra Mundial. En ese momento, la animación cambiaría su propósito de entretener para convertirse en un arma propagandística dirigida principalmente a los niños. Momotarō no Umiwashi literalmente Las águilas marinas de Momotarō, se estrenó 1942 y tuvo gran éxito. Los protagonistas eran animales  que tomaban el papel  de pilotos, los cuáles perseguían a un personaje parecido a Brutus (el antagonista de Popeye) que representaba a las fuerzas americanas.

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La animación se utilizó para difundir el nacionalismo en épocas de guerra . Escena de Momotarō no Umiwashi, 1942.

Posguerra

Con la derrota de Japón  varias casas productoras cerraron por falta de trabajo y otras más verían en el caos una oportunidad para el éxito. Aunque el primer largometraje animado en el mundo se le atribuye a Quirino Cristiani con su película El apóstol de 1917, fue Blancanieves y los siete enanos la primera película de animación en volverse famosa en todo el mundo. Se estrenó en Japón con un retraso de 13 años para llegar finalmente a las salas de cine en 1950. Las obras  de Disney influirían mucho en el futuro de la industria de la animación nipona, sobretodo en su estética.

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Blancanieves y los siete enanos, 1937.

Toei Animation  productora de series como Dragon Ball, Sailor Moon y Saint Seiya nace como producto de la posguerra en 1956. Su fundador Hiroshi Okawa  trabajaba bajo el lema “tenemos que convertirnos en el Disney de Oriente “ en una época donde la animación japonesa no tenía las instalaciones ni la tecnología para crear largometrajes. No obstante, logro financiarse para comprar otros estudios  más pequeños haciendo crecer  la plantilla de empleados.

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El logo de Toei Animation  no ha  sufrido  sufrido mayores modificaciones desde 1956.

El estudio lanza su primera producción en mayo de 1957 Koneko no rakugaki (Graffiti de un gatito), un corto de 13 minutos dirigido por Yasuji Mori y Taiji Yabushita. Al siguiente año se estrenaría en las salas de cine Hakujaden “La leyenda de la serpiente blanca” siendo  el primer largometraje de animación a color producido en Japón. Duraba 78 minutos y trabajaron 109 personas de lleno en el proyecto. El éxito de esta mega producción puso a la animación japonesa en el mapa a nivel mundial debido a que fue de las primeras en exhibirse en América y Europa.

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Hakujaden muestra rasgos de la estética de Disney, 1958.

La televisión llego a Japón 1953 y gran parte de lo que se trasmitía  para el público infantil era de origen norteamericano. En 1963, sale al aire Astroboy,  la primer serie de animación japonesa, que fue la adaptación de un manga homónimo y contaba  con trasmisiones semanales de 30 min.  La serie gozo de popularidad inmediata y logro llegar a las pantallas de Norteamérica y Europa.

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En Astroboy se hacia alarde a los avances tecnológicos  en época de la carrera espacial, 1963.

La Guerra Fría

Pareciera increíble pero la Guerra Fría influyo en el  mundo del anime. La división del mundo en grandes bloques, la carrera espacial y el  alardeo constante de los avances científicos y tecnológicos ,  inspiraría a la creación del popular género mecha ( robots gigantes )  que ya tenia como antecedente a Astroboy y aparecerían series con tintes  de conspiración política y futuristas como Mazinger Z y Mobile Suite Gundam. A la par surgirían animes con fines educativos como Heidi cuyo diseño de personajes estuvo a cargo del famoso Hayao Miyazaki  Doraemon.

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Mobile Suite Gundam,1979.
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Heidi, 1974.

Pioneros

Studio Ghibli

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Es el estudio que llevo a la animación japonesa a la alfombra roja de los premios Oscar. Su fundador Hayao Miyazaki, nació dentro de una familia acaudalada cuya fortuna le permitió disfrutar de una infancia con ciertas comodidades a pesar de que su país era cruelmente bombardeado durante la Segunda Guerra Mundial.  A pesar de su afortunada condición,  Miyazaki recuerda que el sonido y el resplandor de las llamas asolando su ciudad lo impresionaron mucho,  así como el dolor desmedido en los rostros de aquellos que lo habían perdido todo. Los hechos que vivió durante su niñez que transcurrió en tiempos de guerra influirían en la temática de toda su obra.

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La tumba de las luciérnagas, 1988.

Dese pequeño tuvo el deseo de ser dibujante de manga y este sentimiento se acrecentó una vez que vio la película Hakujaden “La leyenda de la serpiente blanca “de Toei Animation, en donde quedo encantado con la protagonista. A pesar de que estaba destinado a continuar con el negocio de su padre, Miyazaki comenzó a trabajar para Toei Animation como intercalador y su sueño de fundar su propio estudio independiente tomaría forma.

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Hayao Miyazaki junto a sus personajes.

Miyazaki llego a ser animador en jefe y conocería en Toei a su buen amigo y posterior co-fundador de Ghibli, Isao Takahata. Ambos coincidían en que no les agradaba el rumbo que estaba tomando la empresa debido a que Toei  se estaba enfocando más en proyectos para televisión y ambos sentían mayor apego por el cine. Miyazaki y Takahata dejarían Toei para fundar su propio estudio que bautizaron como Ghibli (palabra italiana con la que se apodaba a un tipo de avión).

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Mi vecino Totoro, 1988.

Kaze no tani no Naushika “Nausicäa del Valle del Viento” fue el primer filme producido y dirigido por Miyazaki y Takahata. Se estrenó en las salas de cine niponas en 1984, un año antes de la propia fundación del estudio. Era la adaptación de una novela gráfica escrita e ilustrada por el propio Miyazaki y cuya trama  se centraba en un mundo post-apocalíptico devastado por la guerra y de la relación de los humanos con la naturaleza.  La película tuvo muy buena recepción  siendo un éxito en taquilla y gracias a ello se dio luz verde para la creación formal del estudio.

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Kaze no tani no Naushika “Nausicäa del Valle del Viento”, 1984.

Miyazaki y Takahata  produjeron un gran número de películas que impactarían en la cultura popular e influirían en la industria del cine internacional, entre ellas:  La tumba de las luciérnagas, considerada como una de las mejores películas anti-bélicas de todos los tiempos, Mi Vecino Totoro, cuyo personaje principal se convirtió en icono tanto del estudio como de la cultura pop, La princesa Mononoke que rompió récord en taquilla en Japón, El increíble castillo vagabundo, un film pacifista inspirado en la oposición de Miyazaki por la invasión de Irak y por supuesto la aclamada El viaje de Chihiro, siendo esta última la que ganaría un Oscar en 2002 como mejor película de animación  y es hasta la fecha, la única película anime con este galardón.

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El viaje de Chihiro, 2001.

Los largometrajes  de Studio Ghibli gozaron  de gran popularidad y éxito comercial en el extranjero, no obstante Hayao Miyazaki anunció sorpresivamente su retiro de la compañía  a través de un comunicado oficial en 2013. Actualmente existen fuertes rumores de  un probable regreso de Miyazaki con motivo de un nuevo  proyecto ligado a la celebración de los Juegos Olímpicos de Tokio 2020. Se trata de una película que comparte su título con un libro juvenil de 1937 llamado  Kimi-tachi wa Do Ikiru ka? ¿Cuál es tu manera de vivir? , el cuál sigue las inquietudes existenciales  de un chico conforme atraviesa la adolescencia y la correspondencia que intercambia con su tío.

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El increíble castillo vagabundo, 2004.

Akira Toriyama 

ah26Se convirtió en el dibujante de manga más famoso de todos los tiempos por haber sido el autor de obras muy populares como Dragon Ball y Dr. Slump.

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Personajes de la primera temporada de la serie, 1989.
Tras una mala experiencia laboral en una empresa de publicidad, Akira Toriyama decide dejar su trabajo y probar suerte en el mundo del manga. Toriyama presentó algunos de sus proyectos a Kazuhiko Torishima  editor de la famosa revista de manga juvenil Shonen Jump, quien inesperadamente quedo sorprendido por el potencial del joven Toriyama, por lo que decidió darle la oportunidad de publicar su primer obra titulada Wonder Island.
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Akira Toriyama en su estudio.
A partir de ese momento, publicaría varias obras cortas con moderada aceptación , hasta que por fin, lograría su primer éxito comercial con Dr. Slump, un manga que trata sobre las absurdas aventuras del profesor Senbei Norimaki y de su creación, un robot con forma de niña de 10 años llamada Arale. La cómica historia se alargo hasta los 18 tomos y la serie animada hasta los 240 capítulos siendo trasmitida en varios países alrededor del mundo.
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Dr. Slump, 1981.
A pesar del notable éxito de Dr Slump, Toriyama arrasaría su propio récord en ventas con su obra más conocida a nivel mundial  y que es hasta la fecha, el manga más famoso de todos los tiempos: Dragon Ball.
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Personajes de la primera temporada de la serie, 1989.
Toriyama junto con su editor Torishima comenzaron a idealizar nuevos proyectos, buscaban concebir un nuevo shonen que conquistara el mercado, por lo que tomaron elementos como la fascinación por el Kung-fu y las películas de Jackie Chan de Toriyama, los videojuegos y  sobretodo  una novela china titulada Viaje al Oeste: Las aventuras del Rey Mono como inspiración para  crear la historia y personajes de Dragon Ball.
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El personaje de El Rey Mono sirvió de inspiración para crear a  Gokū
Las aventuras de Gokū  y sus amigos comenzaron a publicarse en 1984 y en tan sólo dos años el manga se había convertido en un rotundo éxito de ventas . El primer arco argumental de la serie se extendió hasta los 42 tomos con un total de 519 capítulos impresos.  La obra era desconocida fuera de Japón pero esto cambio con la serie animada que seria un boom en Occidente. Los 153 episodios de la primer temporada fueron suficientes para que millones de personas alrededor del mundo quedaran enganchas a la historia por lo que fue necesaria traducirla a idiomas tan diversos como catalán, griego y árabe.
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Escena de la primer temporada de la serie,1989.
La década de los 90’s  fue la época dorada de Dragon Ball, su popularidad llegó a ser tal,  que cuando fue trasmitida por la cadena Cartoon Network, uno de  los episodios  de la segunda temporada logró un récord de audiencia de 1.7 millones de televidentes en EU.  Toriyama se convirtió en una celebridad en Japón cuyas apariciones públicas incluso causan tumultos masivos.
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Dragon Ball Z, la segunda temporada de la serie y la más exitosa hasta el momento, 1989.
El universo de Toriyama se convirtió en una enorme franquicia que abarca películas, figuras de acción, videojuegos, ropa, cartas coleccionables y un sin número de objetos con la imagen de los personajes. Gokū es considerado como uno de los personajes de anime más populares de todos los tiempos y Dragon Ball la serie de anime más influyente de la época contemporánea y que por si fuera poco, continúa en emisión.
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Dragon Ball Super (2015) es la temporada más reciente de la franquicia.

Katsuhiro Ōtomo  y Mamoru Oshii

Akira es la obra por la que se reconoció el trabajo de Katsuhiro Ōtomo. Tanto el manga como el filme son considerados de culto no sólo por los fans del género sino por la crítica en general, siendo una de las obras de ciencia ficción más aclamadas e influyentes del siglo XX.
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Póster de  la película Akira, 1988.
Ōtomo creció  dentro de una sociedad convulsionada por la guerra  y el manga de Akira compuesto por más de 2000 páginas retrataría el sentimiento rebeldía que invadía a un país donde las protestas eran el pan de cada día.
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Escena del manga, 1982.
La trama de Akira se centra en un mundo post-apocalíptico donde el mal uso de la tecnología provoco que la humanidad estuviera al borde de desaparecer por el desencadenamiento de una guerra nuclear.
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Escena de Akira, 1988.
La adaptación fílmica de 1988  es considerada una de las mejores películas de animación nipona de todos los tiempos a la altura de las obras de Hayao Miyazaki; contó con un elevado presupuesto de 7 millones de dólares  y sorprendió a la crítica internacional  no sólo por la madurez de la trama sino también por la impresionante calidad de animación que ponía increíble énfasis en los detalles  y en la fluidez de movimientos gracias a los 160,000 celuloides de animación que componían la obra, así como su banda sonora.
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Escena de Akira, 1988.
Mamoru Oshii por su parte, es conocido en el mundo Occidental por ser el director de Ghost in the Shell , un par de películas basadas en el manga homónimo , que llegaron hasta  el Festival de Cannes  de 1995.
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Promocional de Ghost in the Shell, 1995.
Ghost in the Shell nos muestra un mundo futurista donde la división entre humano y máquina cada vez es más difusa . Se convirtió en una referencia obligada del género cyberpunk  e inspiro a películas muy famosas en Occidente como The Matrix.
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Escena de Ghost in Shell, 1995.
La impecable animación, el estilo narrativo casi poético y una banda sonora sombría e inquietante captaron la atención de los espectadores extranjeros e hicieron de Ghost in the Sell una obra de culto que además de el manga y las películas cuenta con una serie de TV  de  dos temporadas y una adaptación hollywoodense con Scarlett Johansson.
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Escena de Ghost in Shell, 1995.

 El Boom de los 80’s y 90’s

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Saint Seiya, 1986.
Es considerada la época dorada del anime debido a que la  televisión estaba plagada con series que venían desde Japón a conquistar Occidente. La globalización  abrió las puertas de Asia  al resto del mundo y se exportaron grandes cantidades de anime y manga a  América  y Europa (con extraños doblajes y censura).
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Sailor Moon, 1992.
La influencia y popularidad de series como como Saint SeiyaNeo Genesis Evangelion, Sailor Moon, Cardcaptor SakuraCaptain Tsubasa, Samurai X, etc.  sentarían las  bases de la subcultura otaku en Occidente y empezaron a crearse los primero eventos dedicados a ello como las convenciones de anime/manga y los concursos de cosplay.
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Neo Genesis Evangelion, 1995.
Muchas series  del período se convirtieron en exitosas franquicias que  siguen vigentes y venden  millones de dólares en mercancía relacionada como fue el caso del abrumador éxito de Pokémon y Yu-Gi-Oh!
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Escena de Pokémon, 1997.

 Primer años del siglo  XXI

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Naruto, 2007.
El Internet facilitó la difusión del anime y manga  por todo el globo y pronto se crearon los primeros foros y sitios web dedicados a series específicas. El intercambio de imágenes de anime se hizo muy popular lo que propicio la creación de páginas web como 4chan que cuentan con millones de visitas diarias.
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Death Note, 2006.
También surgieron los  primero  Fansub que son grupos de fans que se encargan de traducir y distribuir anime/manga  por la red. Las productoras japonesas están molestas con el trabajo de los Fansub manifestando que estos no pagan los derechos para distribuir el material relacionado con las series. Sin embargo el trabajo de los Fansub ha sido vital para que series como Naruto, One Piece, Death Note, Fullmetal Alchemist y Attack on Titan tuvieran tanto éxito en diferentes países antes de ser licenciadas fuera de Japón.
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Attack on Titan, 2013.
 Actualmente el anime se encuentra en constante evolución y experimentación , cada vez son más las series que utilizan gráficos CGI y  propuesta vitualles más arriesgadas. El anime se distribuye por plataformas alternas a los canales tradicionales como los servicios de streaming (Netflix y Cruchyroll principalmente) e inclusive se han creado redes sociales  y aplicaciones móviles para que los fanáticos del anime puedan compartir compartir toda clase de contenidos multimedia.
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Promocional de Netflix para Knights of Sidonia, 2014.

 ¿El anime en decadencia?

A pesar de la innovación tecnológica y la diversidad de contenidos que la industria de la animación japonesa ha creado,  el anime actual ha sido objeto de críticas constantes sobretodo por  parte de los fans de antaño que argumentan que gran parte de las series actuales se valen de recursos como la sexualización innecesaria de los personajes ( fanservice), humor absurdo o violencia explícita con el fin de atraer mayor audiencia; dejando a un lado la originalidad de la propuesta o la calidad y solidez argumental de la historia.
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Keijo!!!!!!!, 2016.
Hayao Miyazaki ha dado su opinión al respecto en una entrevista publicada en la página japonesa Golden Times donde argumento que: “Verás, que puedes dibujar o no, ser capaz de crear diseños como este, depende de si puedes decirte a ti mismo: “Oh, sí, en la vida real existen chicas como esta“”.“Si no pasas tiempo observando a gente real, no podrás hacer esto, porque no habrás visto personas reales“. Algunas personas se pasan la vida interesándose solo por ellas mismas“.“Casi toda la animación japonesa se realiza sin apenas observar a las personas reales, ¿sabes?“. “Está producida por seres humanos que no soportan mirar a otros seres humanos“.“¡Y eso es porque la industria está llena de otakus!“.
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Kill la Kill, 2013.

Mamoru Oshii el director de Ghost in Shell también ha externado su opinión sobre la situación en la que se encuentra el anime actual expresando que: “El anime actual es la copia de la copia de la copia” durante una conferencia en la Tokyo University of the Arts. Además de que en distintas ocasiones ha dicho que las series actuales son otaku-céntricas,  al basarse en las exigencias y gustos  de los fanáticos dejando de ser una expresión artística del autor de la obra.

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One-Punch Man, 2015.

¿Qué piensas de la evolución que ha tenido el anime? ¿Cuál es tu época favorita?

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